BRAIF
Frédéric Barillon
Sa démarche en tant qu’artiste consiste à mettre en lumière la dualité entre l’émotion voulue et l’émotion perçue. Parfois, ces émotions s’alignent, parfois elles divergent, révélant toute la complexité de notre ressenti. Chaque spectateur interprète la sculpture selon sa sensibilité et son histoire personnelle.
En fin de compte, prendre conscience de cet affront nous aide à mieux comprendre nos interactions avec les autres et à ajuster notre communication pour plus d’authenticité. La sculpture devient ainsi un équilibre subtil entre sensation et questionnement.
« La sculpture, pour moi, est une évidence. J’ai ce besoin de transmettre des messages forts qui me tiennent à cœur, qu’ils portent sur des sujets d’actualité, sur le monde ou parfois sur des rencontres qui m’inspirent profondément — tout en préservant ma démarche artistique et ma signature. »
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The Hermit of the Woods
Alexis Bonmort
"I mainly create my works manually, using a gouge, without using power tools, in order to respect an eco-responsible approach. I work only with reclaimed wood, a way for me to give a second life to such a noble material.
Through my creations, I try to evoke the themes of time, space, and human emotion. My style, blending abstraction with a touch of realism, perfectly reflects this intention.
I prefer to leave the field open to the observer's imagination, without imposing my own point of view, unless asked. For me, sculpture is an outlet, a way to express my thoughts and emotions through the nobility of wood."
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JEAN CLAUDE BARTHEL
JEAN CLAUDE BARTHEL
Peintre des éléments, Jean-Claude Barthel développe des œuvres abstraites où la lumière, le vent et la matière dialoguent en tension permanente. Influencé par Zao Wou-Ki, Chu Teh-Chun et Turner, il travaille la peinture en glacis successifs, faisant émerger des vibrations minérales et cristallines, entre violence du mouvement et zones de silence.
Son travail porte une attention particulière aux équilibres naturels et à leur fragilité. À travers les éléments, il évoque les tensions climatiques et l’impact de l’homme sur son environnement. La finesse des gestes et l’économie de matière traduisent une démarche respectueuse et consciente.
« Chaque matin dans mon atelier de Vichy, je fais face à la toile blanche sans idée préconçue. Une couleur suffit à lancer le geste. Je travaille par couches fines, appliquées puis retirées, jusqu’à ce que la lumière et la transparence trouvent leur juste place. Ma peinture n’est pas dans l’épaisseur, mais dans la respiration. »
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PHILIPPE PICAUD
PHILIPPE PICAUD
Le corps vivant est, pour Philippe Picaud, un support dont il cherche à révéler l’expression. Plus qu’un modèle, il devient terrain d’exploration, où l’artiste exacerbe le caractère formel et traduit une intensité singulière. Aujourd’hui, il propose au public une rencontre intime, un face-à-face.
« Je me situe d’emblée dans un paradoxe, avec pour point de départ essentiel de ne pas trop en dire. Que se cache-t-il derrière ce visage non écrit ? Que recherche l’auteur ? … J’aime cette dualité entre l’homme intérieur et l’homme extérieur. »
Dans les créations de Philippe Picaud se distinguent deux formes : l’une dans l’apparence et la perception des traits fins, l’autre dans la réflexion et le questionnement. Dans un temps circonscrit, l’artiste recherche la source du trait juste, et joue avec les caractères et les textures pour retranscrire l’inflexion du corps.
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PIERRE CLARET
Pierre Claret
Entre figuration et abstraction, le travail de Pierre Claret entraîne le spectateur dans un univers où mélancolie et rêve s’entrelacent avec délicatesse. C’est un voyage lent et onirique, une interrogation sur le monde qui nous façonne et sur le fil des émotions qui traversent nos vies. Sur toile ou sur carton, l’artiste transpose ces sensations en lignes et en couleurs, brouillant subtilement nos repères pour mieux éveiller nos sens.
« À l’ère du tout numérique, où l’instantanéité règne en maître, je préfère laisser place à la suggestion. Les repères qui servent à identifier un visage ou un corps sont volontairement dissimulés pour nous mettre en défaut. C’est ce moment de réflexion que je recherche, celui qui suspend le regard et questionne notre capacité de perception, d’attention et de concentration dans un monde qui nous livre tout prémâché. »
Ainsi, face à ses œuvres, une esquisse d’œil, une commissure de bouche ou le profil d’une épaule peut soudain apparaître. Mais le doute persiste, et c’est dans cette incertitude que naît la liberté : celle de voir ce que l’on veut, et de laisser à l’imaginaire toute sa place.
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SABINO
Sabino Puma
Né à Cusco, au cœur des Andes péruviennes, dans une famille Quechua, Sabino Puma avait six ans lorsque ses parents lui ont offert son premier pinceau et trois pigments primaires. Ce geste simple a éveillé en lui une passion profonde pour la peinture, presque vitale : représenter ce qu’il ressent et ce qui l’entoure.
Il a étudié aux Beaux-Arts de Calca, dans la Vallée Sacrée, avant d’exposer ses premières œuvres à Cusco puis à Lima, pour finalement poser ses valises en France en 2015.
« Mon art est le reflet de mes deux cultures, Inca et européenne. Au fil du temps, j’ai développé une technique qui m’inspire : je peins au café. Une matière vivante, que je mêle à des pigments pour évoquer la mémoire des paysages et des sentiments. Chaque œuvre que je crée est un passage entre le passé et le présent, entre la tradition et l’intuition. C’est ma façon de raconter, de transmettre et de faire vivre ce que les mots ne peuvent pas toujours dire. »
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